23 noviembre 2020

Ensayo, El / La repetition, de Catherine Corsini

Francisco Peña

Para David Guzmán.

"¿Te pasarás actuando las obras de tu novio?"
"¿Sólo debo estar presente cuando me necesitas?"
Louise a Nathalie

 


En días pasados recibí un correo de David Nyman como respuesta a un intercambio de ideas sobre el tema "El Director es la Estrella". David mencionaba, entre otras ideas y cuestionamientos, que dentro de ese esquema conceptual dónde dejaba yo el Cine de Actrices
 y citaba como ejemplo algunas películas en donde aparece Julianne Moore, una de sus preferidas.

Como una respuesta a esta amistosa y certera llamada de atención por parte de David, escribo ahora sobre una película de actrices. La cinta es El Ensayo / La Repetition, dirigida por Catherine Corsini, y que participó en el Festival de Cannes en la sección oficial. En el film actúan dos excelentes actrices del cine internacional: Emmanuelle Beart y Pascale Bussieres.

Emmanuelle Beart es uno de los rostros más bellos del cine francés actual. Pertenece a la generación que agrupa a Juliette Binoche, Isabelle Huppert, Sandrine Bonnaire y Julie Delpy. Pero Emmanuelle no sólo es una BElla ARTe sino una excelente actriz que no le pide nada a cualquiera de las mencionadas.

En México se han podido ver algunas cintas donde Beart participa, como 8 Mujeres (Francois Ozon, 2002), La Bella Latosa (Jacques Rivette, exhibida en México en 1992), L'Enfer / El infierno (Claude Chabrol, 1995), Voleur de Vie / Vidas robadas (Yves Angelo, 1999) y la más difundida de todas: Mission: Impossible (Brian de Palma, 1996).

Pascale Bussieres surge del cine canadiense. Su fama internacional se debe a dos películas de la cinematografía de ese país. La primera es When the night is falling / Al caer la noche (Patricia Rozema) y Cinco sentidos (Jeremy Podeswa). Junto con Mia Kirschner (Exótica, Atom Egoyan), Pascale Bussieres es una de las mejores actrices canadienses en activo. Mientras que Mia Kirschner dio el salto al cine hollywoodense en Mad City / El cuarto poder (Constantin Costa-Gavras), Pascale Bussieres se dirigió a Europa, especificamente a Francia.

Con estos antecedentes es interesante adentrarse en El Ensayo / La Repetition.

La cinta abre con un prólogo corto donde vemos a los dos personajes cuando tendrían unos 12 años. La amistad incipente se consolida por varios años. Luego aparecen ambas en un ensayo de una obra de teatro de corte estudiantil. Louise (Pascale Bussieres) y Nathalie (Emmanuelle Beart) se presentan cada una por su lado en una serie de monólogos. La igualdad entre ambas y su correspondiente amistad natural se ve fracturada por el resultado que obtienen frente al público. Louise tiene problemas y su actuación logra pocos aplausos. En cambio, Nathalie "fluye" con naturalidad en el escenario y el público se lo festeja.

Emmanuelle Beart y Pascale Bussieres

A partir de este punto, la directora Catherine Corsini va a mostrarnos los matices de esa amistad, su desarrollo a lo largo de los años mientras está puntuada por el cariño, la solidaridad, los celos, la bisexualidad, el odio y la venganza.

En esta gama emocional, las dos actrices se lucen en pantalla con un trabajo actoral lleno de luces y sombras, conforme avanzan las diferentes situaciones de estos dos personajes.

Esto queda claro luego de la obra de teatro estudiantil que marca la diferencia entre las dos mujeres. Louise tiene una dependencia emocional hacia Nathalie, mientras que la segunda quiere ampliar su vida a otras personas. La escena de celos que estalla en la discoteca mientras se celebra el final de la función apunta a una Louise que emocionalmente cela a Nathalie pero que es inconsciente de su deseo bisexual.

El rechazo de Nathalie en la discoteca lleva a Louise a intentar un suicidio. El resultado es que ambas amigas se separan por años. Louise saca a Nathalie de su vida sin ninguna explicación. Pero años después ambas se encuentran de nuevo y es, otra vez, en un teatro.

Nathalie es una actriz en una compañía de vanguardia y el director es su novio. Louise está casada y es técnica dental. Las profesiones y las relaciones con los hombres aportan rasgos a cada uno de los personajes.

Las relaciones emocionales y existenciales de ambas mujeres se complican. Louise entra en la vida de Nathalie, revisa sus cosas, entra en su intimidad y la aconseja profesionalmente. De hecho, empuja a Nathalie a una cita con un director reconocido que la quiere para el montaje de Lulú. Dicha cita provoca la ruptura del noviazgo de Nathalie con Mathias.

Louise y Nathalie desarrollan su relación como un par de imanes. Cuando hay distancia se atraen intensamente, cuando están muy juntas se repelen y se hacen daño.

En momentos de soledad o enfermedad, Nathalie llama a Louise a su entorno, pero la rechaza con crueldad cuando recupera un poco el control de su vida. Louise depende emocionalmente de Nathalie y de hecho está enamorada, aunque no reflexiona sobre la naturaleza de su atracción. 

La cinta entonces se concentra en tres niveles narrativos muy relacionados entre sí.

Por una parte está el ambiente del teatro, que ejerce presión emocional sobre ambas. Nathalie encuentra allí su realización mientras Louise busca la puerta que la reconecte a ese ambiente. En este punto, el hilo narrativo más importante es el proceso de selección de Nathalie para ser seleccionada como la actriz principal de la obra Lulú, su relación con el director y el hecho de que Louise provoque ese cambio radical en la vida de Nathalie, al grado de convertirla en una actriz muy famosa.

Otro punto actractivo en este plano es la comparación - confrontación de dos maneras de dirigir a los actores, cosa notoria en la diferencia entre los ensayos del teatro estudiantil y los ensayos del teatro profesional. Es curioso ver como el teatro de vanguardia y el profesional se retroalimental a pesar de que, en el prestigio, se desprecian.

También es muy interesante ver como dos reconocidas actrices a las que conocemos por medio del cine, también desarrollan sus habilidades en el escenario teatral, encajado dentro de la ficción fílmica. El rejuego actoral entre teatro y cine, entre personajes que actúan en teatro y actrices reales que actúan en cine y teatro es otro de los puntos atractivos del film de Catherine Corsini.

En ese sentido, Catherine Corsini (la directora también es estrella) maneja un gran equilibrio en la presentación de sus actrices en pantalla. A lo largo de la cinta va alternando en el énfasis en el guión, en la imagen y en los close ups a Emmanuelle Beart y a Pascale Bussieres.

Pascale Bussieres y Emmanuelle Beart forman una de esas mancuernas de actrices actuales que podrían pasar a la historia del cine por sus personajes y por sí mismas en base al trabajo actoral conjunto en un film A la memoria vienen actrices como Vivien Leigh y Olivia de Havilland (Lo que el viento se llevó), Bette Davies y Joan Crawford, Dominique Sanda y Stefania Sandrelli (El conformista), por mencionar algunas.

En otro nivel narrativo, el film destaca las relaciones de estas dos mujeres con los hombres. Louise es más sútil y pasiva porque dedica su fidelidad y una especie de "monogamia" a Nathalie, que es su verdadero "obscuro objeto de deseo".

Louise pasa paulatinamente de la inconsciencia y el desconocimiento al la conciencia, el deseo, la crítica, el odio y la frialdad.

Nathalie es más promiscua pero poco a poco pasa de estar rodeada de gente y amigos a una terrible soledad mientras recorre el camino de la fama. En ese sentido, Nathalie coquetea con una relación con Louise, la atrae y la rechaza de acuerdo a como se siente en cada situación. Del mismo modo está indecisa entre seguir dentro de la esfera creativa de su novio Matthias y ser dependiente, o buscar la autonomía personal y la carrera profesional con el director consagrado.

El tercer plano narrativo es la relación amor - odio entre las dos mujeres, que se va complicando a lo largo del film mientras se busca un clímax sexual entre ambas.

En ese sentido, el film de Catherine Corsini tiene un equilibrio muy bien diseñado en este punto. A diferencia de otras cintas que tocan la bisexualidad o el lesbianismo, Corsini si plantea un momento sexual pleno, pero lo enriquece con todos los escarceos previos de atracción - repulsión, con todos los detalles emocionales y de conducta que anuncian el encuentro sexual y a la vez lo transcienden.

De hecho, el film presenta una sola escena sexual abierta pero no se limita a ella como remate. Va más allá y se dedica a investigar sus consecuencias. Así, la atracción - repulsión toma al encuentro sexual de ambas mujeres como una etapa más de su complicada relación de amistad y amor, de odio y crueldad.

En dicha escena es Nathalie quien toma la iniciativa sobre Louise, luego de que la segunda suelta la frase que condensa su relación general: "No podemos volver a estar juntas, Siempre pasa lo mismo".

Así, mientras Louise reflexiona y profundiza en su conocimiento de esta relación, Nathalie se deja llevar por sus emociones cambiantes. Aunque al final ambas saben lo que ha implicado para sus vidas esta relación, Louise parece más madura mientras que Nathalie no ha podido desprenderse de su soledad existencial.

En esta rica gama de situaciones emocionales, Catherine Corsini presenta también tres tipos de secuencias en las que interactúan Nathalie y Louise.

Las primeras son las (pocas) escenas de equilibrio y bienestar entre ambos personajes. Sobre todo son notorias las secuencias donde ambas caminan por las calles de las ciudades. Es un momento de armonía que está subrayado y puntuado por una música de arpas con ligera influencia new age.

Las otras escenas son las de confrontación emocional entre ambas. Las peleas, recriminaciones y rechazos están remarcadas por las fallas en la conducta, las frases hirientes o evasivas, que curiosamente tienen un tinte de naturalidad y verosimilitud gracias a las actuaciones de Beart y Bussieres.


La tercera escena es la sexual, que resume la búsqueda dialéctica de la armonía final entre ambas, que nunca se alcanza, a partir del intento de solucionar sus conflictos luego de una confrontación severa.

En el manejo de estas secuencias, Catherine Corsini deja que la gama emocional de sus personajes se desprenda de las actuaciones de sus dos excelentes actrices. Pero usa muy bien las herramientas cinematográficas para captarlas.

Entre ellas destaca el uso del close up para recoger los dos bellos rostros de Emmanuelle Beart y Pascale Bussieres. Pero no se trata del estudiado close up hollywoodense, perfectamente medido e iluminado. No, este es un close up más europeo que busca ser ventana al alma de actrices - personajes. De hecho los encuadres no son "bellos" sino que son distintos.

Un ejemplo de ello es un close up en donde Emmanuelle Beart llora. La soledad del personaje de Nathalie y su desesperación está remarcada en tanto que el encuadre es poco usual. Se trata de un PERFIL completo donde no se remarca la extraordinaria belleza de la actriz sino su falta de maquillaje, llanto y lágrimas.

Ubicado en el contexto de la escena y del film, este close up ejemplifica el uso del recurso cinematográfico en toda la cinta.

También, para mostrar la habilidad de sus actrices, siempre dirigida en función de la narración en pantalla, Catherine Corsini equilibra en pantalla la presencia de sus actrices.

En distintos momentos del film el énfasis se recarga en Emmanuelle Beart o en Pascale Bussieres. En e se sentido, cada una de las dos actrices cuenta con momentos climáticos donde su trabajo actoral individual destaca con brillantez.

En el caso de Pascale Bussieres, ella se luce en los momentos en que ve las cosas de Nathalie, en los momentos posteriores a los que Louise ha sido rechazada. También en las escenas donde ve a Nathalie en los reencuentros.

Emmanuelle Beart recoge la ambiguedad emocional de Nathalie en los encuentros sexuales con sus compañeros, en los momentos de soledad, cuando va a entrar a escena. Destaca en las confrontaciones con su novio Matthias en donde da rienda suelta a los deseos de autonomía y de afirmación personal de Nathalie.

Pero, evidentemente, donde mejor se les ve a las dos actrices es en los momentos de confrontación mutua.

Destaca en ese sentido una de las escenas finales del film. Nathalie está enferma de peritonitis y se salva por la intervención de Louise. Pero ambas esperan la llegada de la ambulancia. En un silencio lleno de tensiones llaman a la puerta y Louise no hace nada por abrir a pesar del riesgo de muerte de Nathalie. Nathalie intenta abrir y se desploma.

Las tomas finales, mientras Nathalie le pide a Louise que abra, terminan en el silencio mientras ambas se miran. Allí, la capacidad actoral de Emmanuelle Beart y Pascale Bussieres brilla ante la ausencia de diálogos donde las miradas y el llanto de las dos lo dicen todo.

Otra escena, menos intensa pero de buena factura actoral, es cuando Nathalie se emborracha en un bar y comienza a hacer confidencias a Louise.

La ansiedad, el deseo, el rechazo, el odio y el amor... En fin, la complejidad de las relaciones humanas encuentran en estas dos actrices un vehículo excelente en el marco del cine francés y europeo. En este tono, no es gratuita la mención - homenaje que el film hace de otra gran actriz del cine mudo: Louise Brooks. Se cita en forma abierta la película Lulú, donde Brooks actúa dirigida por el alemán Pabst, en uno de los clásicos del cine mudo.

No se trata pues de una cinta de Hollywood que es vehículo de la presencia de una actriz a la que venden como una "marca" en el mercado, al igual que un perfume. Es una cinta en la que el trabajo actoral brilla precisamente porque ESTA EN FUNCION DEL PERSONAJE REPRESENTADO.

La excelencia actoral de Emmanuelle Beart y Pascale Bussieres destaca precisamente porque pueden plasmar en pantalla las pulsiones, las conductas contradictorias, los impulsos de dos mujeres que cobran vida en Nathalie y Louise.

De esta forma es como el espectador puede sentir la soledad, la pasión y el deseo de dos personajes: por el trabajo actoral. El percibir todo el conjunto y gozar de él NO cancela tampoco el placer de ver dos de los rostros más bellos del cine internacional, que por si mismos, por la belleza de Emmanuelle Beart y de Pascale Bussieres, hacen que valga la pena para ver El Ensayo / La Repetition.

Por suerte, la cinefilia por estas actrices se ve también recompensada por una buena película francesa, por personajes complejos pero entendibles y por la dirección de Catherine Corsini, que supo sacer lo mejor de Emmanuelle Beart y Pascale Bussieres y dejar que gozáramos de su presencia, una vez más, en el misterioso mundo de la pantalla de plata. 

06 marzo 2020

En buenas manos / Pupillé / In good hands, de Jeanne Herry

Francisco Peña.

Un niño, un niño que puede ser adoptado, entregado por su madre natural y, por el otro lado, una mujer soltera y divorciada que quiere adoptar. Entre el bebé y las dos mujeres a cada extremo hay un proceso de adopción. Esta película francesa muestra, en carne y hueso, como una política pública de adopción se encarna en la realidad y cambia la vida de las personas.


Con delicadeza fílmica y visión humanista, la realizadora francesa Jeanne Herry nos presenta como un importante precepto legal como “El Interés Superior de la Niñez” mejora la vida de niñas y niños reales, si el Estado y todas las funcionarias y funcionarios actúan conforme a éste, así como también la sociedad en su conjunto, para que se aboquen a que niñas y niños estén colocados al centro de la mayor importancia social.


El Interés Superior de la Niñez, en el artículo 4º de nuestra Constitución, se expresa así: “En todas las decisiones y actuaciones del Estado se velará y cumplirá con el principio del interés superior de la niñez, garantizando de manera plena sus derechos. Los niños y las niñas tienen derecho a la satisfacción de sus necesidades de alimentación, salud, educación y sano esparcimiento para s u desarrollo integral. Este principio deberá guiar el diseño, ejecución, seguimiento y evaluación de las políticas públicas dirigidas a la niñez.” Las políticas de adopción, en su ejecución real, deben ser guiadas por este principio.


En el caso francés que expone la cinta, se detalla como las y los funcionarios públicos aterrizan políticas en casos reales. El film muestra las distintas etapas de adopción y cómo puede llegarse a una adopción final que beneficia al niño y las madres, donde operadoras y operadores aterrizan los protocolos con una visión de Crianza Positiva y Cuidado Afectivo. En los distintos eslabones del proceso francés aparecen las personas que trabajan de esta forma, de un eslabón a otro del proceso.


Primero quiénes reciben a la madre natural, la estudiante universitaria Clara, en proceso de parto y atienden al bebé. El primer paso es respetar la decisión de ella de darlo en adopción, en anonimato y con respeto a sus datos personales; con excepción del derecho de su hijo Theo de conocer a futuro la identidad, mensajes o cartas de su madre natural. Doctoras, asistentes, trabajadoras sociales así lo hacen -y la realizadora también respeta los derechos: su guión nos deja saber tan sólo lo que la madre dice y a lo que tiene derecho Theo en el futuro.



En todos los eslabones el bebé es tratado con dignidad y todas las personas involucradas -sin excepción- se toman el tiempo de explicarle las cosas. Theo no entiende el lenguaje pero lo siente, y reacciona a las cosas que se le dicen. En ese sentido, las escenas iniciales de explicación muestran cómo se le modifica el pulso según percibe lo que se le dice.

Por otra parte, aparecen distintas parejas que buscan la adopción y se observa cómo las entrevistas son determinantes para observar si son idóneas para adoptar. Las funcionarias no juzgan, observan y reportan. Se les explica que sólo se busca lo mejor para los bebés y la reacción de las parejas es importante: algunas no aceptan que sus propios intereses queden por debajo, otras comprenden y dejan fluir el esfuerzo, incluso se esfuerzan por adaptarse a las prioridades de los niños. Lo anterior no exime que se les haga conscientes que en la adolescencia, quiénes sean adoptadas o adoptados les cuestionarán e incluso les rechazarán: deben prepararse también para eso. Para el público de la película es relevante no perder detalle, pues no sólo se ilustran casos sino que exponen cómo las funcionarias no juzgan: son verdaderas Acompañantes en el proceso.


También Jeanne Herry presenta a su público la importancia radical de las Familias de Acogida. Theo no va a una casa cuna institucional que concentra bebés y niñas/niños más grandes sino a una familia completa entrenada para cuidar al bebé hasta encontrar a la madre más adecuada posible para su desarrollo como persona. El padre de acogida trata igual a Theo: le muestra la casa, le da de comer, lo atiende: el olor personal es un marcador esencial para que el bebé reconozca a quien le cuida. Todo el tiempo, la funcionaria enlace con el Concejo de Adopción está pendiente de Theo y su relación con esta familia.


En paralelo, quienes integran el Concejo están al tanto de todos los casos, de posibles adoptantes e intercambian opiniones -a veces dispares- sobre la mejor combinación para las niñas/niños, entre ellos Theo. Allí se discute el nuevo punto de la Ley francesa que permite la adopción en familia monoparental: una mujer sola, un hombre solo puede adoptar si son idóneos. Asimismo, también en la película se toman en cuenta casos de niñez con discapacidad en adopción y el mejor perfil de adoptantes para estas situaciones, tema que incluso Jeanne Herry amplía en algunas escenas a la Accesibilidad para personas ciegas.


Cuando se decide quien adoptará a Theo, el protocolo pone un periodo de transición entre la Familia de Acogida y la Madre Adoptante, supervisado por personal al servicio del Concejo. Este período es también esencial para que Theo y su nueva familia inicien su historia en las mejores condiciones posibles.


La gran virtud de este film francés es que su realizadora Jeanne Herry también incorpora artísticamente el Interés Superior de la Niñez en su propia narración.


Jeanne Herry


La película está estructurada para que Theo esté al centro de la pantalla y de la atención social: todos los servicios sociales del Estado funcionan alrededor de su bienestar, de que esté en las mejores condiciones posibles en su hoy y en su futuro. Por ello, la directora enfoca su mirada -y la de su público- en ver cómo el conjunto de funcionarias, de familia de acogida y madre adoptante, todos los personajes que aparecen alrededor de Theo, manifiestan claramente Afecto y Calidez a la niñez. La cinta es un excelente vehículo para comprender lo que significa en verdad la Crianza Positiva, en especial en casos de adopción.


El público puede percibir con claridad en la película cómo todas las personas que participan en los procesos de adopción como las funcionarias, familias de acogida, son profesionales, conocen su labor; pero además, tienen vocación (mente y corazón). Todo el conjunto permite suponer que el Estado francés les eligió como las mejores personas disponibles para esta delicada tarea, sin improvisaciones ni fallas de compromiso.

En Buenas Manos es un ejemplo de cómo el cine es una herramienta privilegiada para involucrar en grandes procesos sociales a su público. Al unir emoción, sentimiento y razón de las y los espectadores ante una historia cercana, se propicia el cambio cultural en las sociedades. El cine se suma a los esfuerzos para que la Niñez viva en mejores condiciones. En este caso, toca afortunadamente que la cinta visibilice el mundo de la adopción… para beneficio de Theo y de todas las niñas y niños que comparten su condición.


NOTA: En el marco de los 30 Años de la Convención sobre los Derechos del Niño de Naciones Unidas, en el mes de marzo 2020 la Fundación Cinépolis, Pacto por la Primera Infancia y la Secretaría Ejecutiva del Sistema Nacional de Protección Integral de Niñas, Niños y Adolescentes (SE SIPINNA) realizaron 40 proyecciones gratuitas de esta cinta francesa en igual número de ciudades de los 32 estados del país. Este texto fue escrito para acompañar dicho evento, que llevó el nombre de "Diálogo sobre la adopción y desinstitucionalización de #NiñasNiñosAdolescentes en México”.

Título original: Pupille. País: Francia. Co-producción Francia-Bélgica. Año: 2018. Duración: 107 minutos. Dirección: Jeanne Herry. Guión: Jeanne Herry. Dirección de Fotografía: Sofian El Fani. Música: Pascal Sangla. Edición: Stéphane Garnier, Francis Vesin. Decoración del set: Fabienne Guillot. Responsable de maquillaje: Aurélie Baradeau. Estilista de peluquería: Jérôme Caron. Productores: Alain Attal, Vincent Mazel, Hugo Sélignac. Diseño de producción: Johann George. Compañías productoras: Les Productions du Trésor, Chi-Fou-Mi Productions, Studiocanal, France 3 Cinèma, Artemis Productions, VOO, BE TV, Cine +, France Télévisins, Shelter Prod, Taxshelter.be, Région Ile-de-France.